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lunes, junio 24, 2019
jueves, junio 20, 2019
Guardia de cine: reseña a «Han Solo: una historia de Star Wars»
Un spin-off con un cargado sabor western que está a la altura y que, para nada, se merece los palos y malas críticas que recibió
Con la salvedad de dos series de animación en 3D («Clone Wars» y «Rebels»), cualquier cosa que se produzca como franquicia de STAR WARS desde ese aciago 1999 queda, desde el instante mismo de su estreno, maldita, recibiendo infinidad de palos y casi ningún aplauso; quedan envueltos en un fétido halo que es el aliento de millones de fans resentidos que se creen con voz y hasta voto, más si cabe desde que la Disney cerró sus garras entorno a Lucas Films y se la llevó hasta su torre más alta cuando George Lucas, asqueado, liquidó su empresa y puso a la venta la idea.
Yo fui uno de tantos seguidores de la saga que quedó interrumpida en 1983, con «El retorno del jedi», y de los que comprobaban cómo aquel universo de historias fabulosas en una galaxia muy, pero que muy lejana, se expandía gracias a un torrente inagotable de novelas que establecía y asentaba un canon que ahora ha quedado hecho trizas gracias a los Episodios VI, VIII y, supongo que también, IX, cuando toque.
Yo fui uno de tantos que temblaron de la emoción al entrar en la sala de proyección en aquel año, “Like A Virgin”, como diría Madonna, para ver «La amenaza fantasma». Contaba 18 años y se me había concedido la increíble oportunidad de poder vivir en primera persona el nacimiento de algo nuevo, como aquellos afortunados de 1977. Era el Evento de mi Generación, cuyos integrantes veíamos la trilogía original en cintas de VHS hasta lo absurdo. Y fui uno de tantos que, llegados los títulos de crédito finales, salió casi mudo al “mundo exterior”. Solo hablaba para negar lo que era un grito en mi pecho: “¿qué narices era aquello?”. Pero, ¿qué pensaba que iría a ver? ¿Acaso un plagio de las vetustas aventuras de Luke Skywalker y compañía, tal y como están haciendo Rey y Finn y que es algo que me parece horrible? Aunque me hice con sobrada memorabilia de «La amenaza fantasma», desde libros a su banda sonora original, pasando hasta por figuritas que venían en el envoltorio de unos cereales en concreto, decidí volver al cálido regazo y desentenderme de la, por entonces, “nueva trilogía”; tanto es así que añun no he visionado entera «La venganza de los sith», sabiendo cómo empieza y como termina, pero nada de lo que sucede entre medias.
Con la Disney al timón fueron floreciendo títulos y proyectos que son los más vapuleados por los fans, como este «Han Solo», cuya escasa caja hizo frenar en seco el despilfarro en dólares destinados a los más variopintos spin-offs de la galaxia; aunque la inercia del producto es algo contra lo que no se puede lidiar (tenéis el ejemplo de «The mandalorian»). Hubo palos hasta en el carné de identidad para «Rogue One», hasta el límite de lo bochornoso, y eso que, en mi siempre discutible opinión, es la mejor película de todo el universo Star Wars, trilogía 1977-83 incluida (sí, tenéis mi permiso para crucificarme); tendrá todos los puntos flacos que queráis y los bajos descosidos (¡ay, Dios mío! ¿Por qué no controlaron un poco más a Forrest Whitaker?), fue incluso frustrante y de juzgado de guardia que la historia que se narraba en los trailers (tan cercana a una fusión entre «La guerra de las galaxias», «La chaqueta metálica» y «Apocalipse Now») no tuviera nada que ver con la que se montó al final, torciéndose (para mal) escenas y sacrificándose hasta a personajes que, según la campaña de difusión, tenían su peso en la trama. Una lástima, pero sigue, repito, siendo la mejor, mas hoy no toca hablar de «Rogue One», sino de esta visión de Han Solo como el joven más sinvergüenza de toda la galaxia.
Como al igual que a la mayoría, siempre quise ver con mis propios ojos Corellia y Kessell, así como la carrera del Halcón milenario de la que tanto se jactaba el contrabandista ante cualquier paleto que cruzara un par de palabras con él. Conocer el instante en el que Han Solo conoció a Chewbacca y a Lando Carlrissian y cómo le ganó el Halcón. Todo eso y más, por lo que hacer una película que retratase estos hechos merecía la pena.
Y el proyecto empezó casi estrellado, con problemas nada ajenos a la dinámica propia de Hollywood, pero con los fans dando por saco desde la puesta en conocimiento de la identidad del actor principal a la publicación de las primeras imágenes: “jo, tío, Han Solo es Harrison Ford y no este pipiolo”. Sí, de acuerdo: este tipo se le parece como un huevo a una castaña y solo me recuerda a Ford a distancia y de espaldas en el aspecto físico, claro; pero es que el Han Solo que se ligó al a princesa Leia superaba la barrera de los treinta años, momento en el que el cinismo gana terreno en el paladar de cada uno, habiendo dejado ya muy atrás la bandera de cuadros en esa carrera hacia el fin de la estupidez que se inicia en la postadolescencia. Este Han Solo es joven, bocazas, torpe… un crío con pistola de rayos. Sí y, repitiéndome, ¿qué narices pensábamos ver en un Han Solo de veintipocos años? ¿Al mismo? No sé vosotros, pero yo no me siento y me comporto de igual manera que cuando tenía dieciocho años; ni pienso lo mismo ni hago las cosas como entonces, así que, como en todo, deberíamos dejarnos de gilipolleces y ver las cosas con perspectiva, que es como debe hacerse: ésta es una historia de Star Wars; ya está.
Considero a «Han Solo» como una película ligera, pero llena de acción y diversión, con constantes guiños a la trilogía clásica a través del atrezo y no plagiándole el desarrollo argumentativo. Si le quitásemos todo el grafismo “estargüasero”, las naves espaciales y los droides, sería una trama ideal para un buen western de finales de la década de 1960 y comienzos de la siguiente (¡si hasta hay un asalto a un tren!); tiene un aura que nos traslada a una época en la que podrían haberse colado en el universo Star Wars actores como Steve McQueen, Ernest Borgnine, Clint Eastwood o Yul Brynner, pateándose el desierto por la frontera mexicana, con el acierto de establecer una correlación histórica concreta, pues si la trilogía 1977-83 y sus derivados coetáneos se anclan en la segunda guerra mundial, cuando el joven Solo conoce a Beckett y su banda, no podemos dejar de sentirnos dentro de las trincheras de la Gran Guerra.
La trama está perfectamente hilada para componer una obra que para nada merece el castigo ni reproche que recibió, incluso cuando tropieza con la cansina subtrama dirigida a remover conciencias ante la injusticia de ciertos colectivos, haciendo caer la línea de tensión narrativa y que pudo llevarse de otra manera.
Es una película western en toda regla; y si esa es vuestra pega, es que no tenéis ni idea de que Star Wars es un western galáctico. Y «Han Solo» es una buena película y le he disfrutado como un enano por el simple hecho de haber abandonado la senda del purista ultraortodoxo, del talibán cinematográfico que coge un palo de escoba y se pone “ziumm, ziumm”, haciendo poses y realizando vergonzosos movimientos de esgrima a lo jedi.
Nos pongamos como nos pongamos, Star Wars son historias que forman parte de nuestro acervo colectivo que fueron presentadas de la forma más novedosa posible, anzuelos de los que prender ojos y mentes; y esta «Han Solo» es una de esas narraciones, el problema es que nos hemos embrutecido visualmente y seguimos a la espera de otro mesías, de otra explosión de fantasía como la que se vivió hace más de cuarenta años; algo que, asumámoslo, no se va a repetir.
Solo nos toca disfrutar (o no) de los que nos permitan ver.
miércoles, junio 19, 2019
martes, junio 18, 2019
Guardia de cine: reseña a «Misión de asesino (Sword in the Moon)»
Presentada en su sinopsis (de carátula de DVD) como una película histórica de género policiaco, el metraje se reduce al aspecto más íntimo entre los principales personajes intervinientes
Visionar esta película coreana le resultará costosa al espectador occidental por culpa del casi congénito desconocimiento histórico al Este de los montes Urales que sirve como telón de fondo. Por medio de la pantalla nos plantaremos en la Corea posterior al sonoro fracaso de la segunda y última invasión orquestada desde el Japón por el megalómano y senil taiko Toyotomi Hideyoshi, durante la década de 1590. La victoria, por el contrario, abocó a la península a un gobierno débil y a constantes luchas de poder por el trono; y es aquí, en este preciso momento de paz quebradiza y traicionera, cuando varios ministros del gabinete de Seúl son hallados salvajemente asesinados, sin que se dé con motivo o conspiración alguna. El encargado de resolver estos crímenes y presentar al criminal ante la Justicia será el taciturno y letal general Choi, un hombre de honor, pero encadenado para su desdicha a su nuevo amo, un rey coronado durante la última revuelta, que sumió el palacio real en el fuego de la guerra entre hermanos. Choi es un soldado humillado constantemente, mortificado por la sangre derramada de sus compañeros de armas, por la muerte de su mejor amigo por su propia y afilada espada durante aquella aciaga noche que no puede olvidar por mucho que se esfuerce.
La trama de investigación, trufada de cuchilladas y cabezas cercenadas, da paso en flashbacks —cuando Choi tiene claro que el asesino es un fantasma de su propio pasado, aunque de carne, hueso y que respira un aliento de venganza—, a una historia de amistad y camaradería entre dos hombres que se ven obligados a luchar en bandos enfrentados y no por gusto o filiación. Presenciaremos el instante en el que se conocen, junto a ellos profundizaremos en su (malentendida) relación y en la traición impuesta. Y cuando los recuerdos se agoten será el instante en el que el círculo se cierra en torno al asesino y a su compañera de la noche, ambos embarcados en la búsqueda de la más sangrienta revancha que, como suele suceder cuando la rabia parece justificada incluso para el más inmutable de los espectadores, nunca llegará a buen término.
«Sword in the Moon», título que se sirve de la nomenclatura del cuerpo de élite de palacio, es considerada como un clásico moderno del cine coreano de acción y artes marciales. Yo no soy quien para discutirlo pues soy un novato en estas lides asiáticas; pero sí diré que no es más que el cascarón para otra trama de escaso fondo: el típico y repetitivo relato de la amistad truncada por la traición, el deber y la humillación, también por la venganza ciega en un entorno de época que debe parte de su escenografía al Manwha, el cómic coreano. El guión no exige esfuerzo interpretativo alguno a sus actores, cuyas líneas de diálogo son testimoniales y sin gran peso, derivándose en exclusiva a los silencios y a las escenas de lucha (con la típica ralentización asiática acompañada, en esta ocasión, de cierta distorsión a la cámara, algo que considero un error pues ni una ni otra refuerzan en absoluto la belleza del movimiento y, encima, emborronan la coreografía); los protagonistas, por su lado, demuestran una buena técnica de esgrima y se mueven a través de una excelente ambientación histórica en cuanto a decorados y vestimentas, sin dar saltos con muelles ni practicar vuelos con cable.
Por su corta duración, algo más 90 minutos, valdrá la pena para cualquiera que se atreva a asomar la nariz por el territorio del cine histórico coreano, sin que se aburra al escuchar una vez más el viejo cuento de la camaradería quebrada pero recuperada en el último momento.
lunes, junio 17, 2019
jueves, junio 13, 2019
Guardia de cine: reseña a «Ha nacido una estrella»
Título original: «A Star Is Born». 2018. EEUU. 135 min. Drama. Dirección: Bradley Cooper. Guión: Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth; historia de William A. Wellman y Robert Carson. Elenco: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliot, Rafi Gavron, Andrew Dice Clay
Tercera versión del cuento de la Cenicienta con voz de oro; una historia de amor y sobre el precio a pagar por la fama
Bien lo dicen en un par de ocasiones durante el metraje; no recuerdo las palabras exactas, pero sí su sentido: todas las historias están ya contadas, solo resulta novedoso aquello que el artista en particular puede ofrecer al público. Y tras años reseñando películas, libros y otros, me he percatado de que es cierto, sin necesidad de que me lo dijera ninguno de los personajes que pueblan esta tercera versión del mismo cuento de una moderna Cenicienta. Siempre están presentes los mismos hechos y sentimientos, solo cambia la ubicación espacial y temporal, los rostros de los actores…; son las piezas de un puzle que se puede montar, aún sin necesidad de que encajen, y que siempre acaban, sin excepción, mostrando con precisión la imagen de la caja donde se guardan.
La película da comienzo introduciendo a Jack, un cantante country-rock con serios problemas de adicción quien, durante una noche de desvelo solitario tras un concierto, deambulando por la ciudad, da con un garito con espectáculo transformista en el que actúa de vez en cuando una chica atrapada en un trabajo que detesta y sin posibilidades de huir; una chica cuya interpretación de Edith Piaff deja atónito a Jack; una chica del montón, con una nariz un tanto particular (para nada a la “altura” de Barbra Streissand), que se llama Ally y con la que Jack pasará una noche recorriendo baretos, creando los cimientos de una relación, descubriendo una voz prodigiosa que, encima, tiene cabeza para componer.
Sin duda, uno de los mejores momentos es cuando Jack convence a Ally para que canten juntos esa canción a medio terminar que ella le canturreó en el parking de un supermercado 24 horas. Emocionante, la verdad, sobre todo cuando «Shallow» es una composición portentosa y espléndidamente interpretada; de esas que marcas como favoritas en tu perfil de Youtube y escuchas una, dos, tres… mil veces; que tarareas de camino al trabajo o que, en el peor de los casos, no te deja dormir al estar repitiéndose en tu mollera como el ciclo de una lavadora atascada.
Pero, aparte de esos tres minutos musicales, lo que sí me ha gustado de la película es el sabor que dejan los diálogos, que son francos, directos, como calcados de conversaciones reales y espontáneas. Apenas se aprecia nada de esa corrección que siempre acaba entrando en el guión tras las continuas revisiones del texto. A esto se suman una serie de detalles que parecen ser propios de instantes fuera de grabación oficial, con una pareja de actores protagonistas entre los que debe haber surgido una relación muy intensa y cariñosa, sin que por ello tenga que haber intercambio de fluidos (¡malpensados!). Hablo de detalles que cuesta mucho creer que hayan sido dirigidos y que, al menos a mis ojos, son sinceros; si me equivoco en este punto, he de levantarme de la butaca y hartarme de aplaudir.
La historia de amor, nada empalagosa para mi alivio, sigue las directrices de la acción para que Ally alcance el estrellato musical y que se Gagagiza, momento en el que la película pierde interés, aunque se un cambio necesario para llevar a los protagonistas al límite de sus sentimientos, cuando las cosas comienzan a torcerse, a salirse de madre, para luego recuperar la rectitud de forma dramática. Entre la mofa de Lady Gaga hacia su propio personaje (Ally no quiere ser rubia), y a toda la superficialidad de la música comercial de la que ella es reina indiscutible, se quiere enfatizar el precio del éxito, de la presión que solo se contrarresta con adicciones, de la envidia perdonada por el amor incondicional de Ally hacia Jack.
«Ha nacido una estrella» es, a fin de cuentas, una película sobresaliente, en la que brillan, por encima de todo, las palabras y cómo se expresan.
miércoles, junio 12, 2019
martes, junio 11, 2019
Guardia de cine: reseña a «Un doctor en la campiña»
Título original: «Médecin de champagne». 2016. Francia. 102 min. Drama. Dirección: Thomas Lilti. Guión: Thomas Lilti y Baya Kasmi. Elenco: François Cluzet, Marianne Denicourt, Patrick Deschamps, Christophe Oden, Isabelle Sadoyan, Félix Moati
Una bofetada de vida y muerte dada por la brisa campestre; una lección de lucha por ser mejores y por aceptar la ayuda de aquellos que nos aprecian, no dejándonos cegar por la terquedad y la cerrazón del pesimismo
La trama argumental, me apuesto algo, os resultará familiar: entorno rural y aislado al que llega un extraño que ha de ganarse el respeto de los lugareños con su buen hacer y conocimientos; sufriendo novatadas y hollando un largo camino para entender los resortes ocultos de esa pequeña comunidad. No estamos en Alaska con el Dr. Fleischman, pero casi, pues es un relato universalmente sobreexplotado.
Me parece que nunca nos cansamos de escuchar el mismo cuento; quizá sea como el de los tres cerditos o Blancanieves: demasiado necesarios para encauzar nuestras vidas.
En este caso que nos ocupa hoy, el escenario es la campiña francesa. En tales parajes desarrolla su existencia Jean Pierre, un médico de asistencia primaria que atiende a la desperdigada población local. Es el médico de toda la vida y en el que se confía para todo, pero Jean Pierre hace frente a un grave problema: se le ha detectado un tumor cerebral y ha de iniciar el tratamiento de quimioterapia. El testarudo galeno se guarda para sí su drama mientras trata de dar con solución al de sus pacientes, no aplicándose precisamente el cuento.
El especialista amigo que le trata el tumor le envía a Jean Pierre un ayudante/sustituto: Nathalie, una recién titulada en Medicina que ejerció de enfermera durante diez años. Jean Pierre necesita reposo, pero la idea de su colega, para lo cual no le ha pedido opinión, le parece una afrenta sin que la sangre llegue al río. El médico rural la paga con Nathalie, quien va pasando los días entre novatadas y la reacción misógina de la población, hasta que demuestra su valía.
A lo largo de los diferentes capítulos de los que consta la película, los problemas médicos y entre los dos protagonistas serán los que abriguen la particular y cotidiana historia de Jean Pierre, un hombre que se siente perdido de repente pero que se niega a reconocerlo, sin dejar de visitar a sus pacientes a lo largo de la frondosa y plana campiña francesa.
El particular mensaje en la botella de «Un doctor en la campiña» no es bucólico ni hueco, sino de regreso necesario del hombre a lo básico, lejos de la herrumbre cuadriculada de las urbes donde todo sucede demasiado deprisa y sin que le importe a nadie; incluso la vida humana a punto de extinguirse. Jean Pierre es un reaccionario que huye de las modernidades, incluso de las útiles, en una defensa con dientes y uñas de un estilo de vida que ha de quedar inmaculado en sus devaneos con los males congénitos de la sociedad urbanita, aunque termine accediendo, en un destello de esperanza, a un nuevo estadio de coexistencia en el que el campo avance pero sin sentir las mordedura del hormigón y la especulación, con una utilización racional de los nuevos medios (pongamos las cartas sobre la mesa: muchos vivimos en las ciudades por el servicio sanitario), no por otra cosa).
Jean Pierre aglutina en su existencia, como personaje, una serie de preguntas que nunca debíamos haber tenido la necesidad de formular: ¿Cuándo hemos perdido el contacto social, llegando a ser sombras extrañas que no se reconocen entre sí? ¿Por qué hemos decidido vivir en esferas independientes y aisladas dentro de colmenas que agotan el horizonte? La falta de espacio, la vileza del asfalto; la tensión de consumir el hálito del día a día nos ha arrastrado a un tipo de perdición egoísta y de indiferencia hasta los demás, hacia todo, en un ambiente de insanidad.
Quizá el microcosmos que presenta la película sea donde se muestre más floja, con simples tics nerviosos de los habitantes de la campiña, cuyos problemas nos son comunes a la fuerza, conocidos por experiencia propia. Pero algo malo debería tener el guión, pues nada es perfecto.
«Un doctor en la campiña» marca varios estadios vitales entre los personajes principales y secundarios mientras el protagonista duda ante el camino que se abre ante él. Es como una bofetada de vida y muerte dada por la brisa campestre; una lección de lucha por ser mejores y por aceptar la ayuda de aquellos que nos aprecian, no dejándonos cegar por la terquedad y la cerrazón del pesimismo.
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