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jueves, mayo 09, 2019
miércoles, mayo 08, 2019
martes, mayo 07, 2019
Guardia de cine: reseña a «El año que vivimos peligrosamente»
Peter Weir lleva a la pantalla una historia nerviosa a pesar del calor y el monzón, en mitad de un país a punto de estallar en el reflejo de un limitado estudio zoológico humano, sobre todo periodístico, con escenas que me recordaron a otras que leí en las páginas de «El honorable colegial», de John le Carré
Este título llevaba varios años apuntado en mi lista de películas a visionar. No os confundáis; no se quedó grabado en mi memoria por culpa de la anécdota, repetida hasta la saciedad, de que Mel Gibson calzaba alzas en los zapatos cada vez que compartía plano con Sigourney Weaver, jocosidad que parece ser lo único que les interesa a los guionistas de los programas de cine, de esos cada vez más difíciles de hallar en la televisión, todo ello con la insana intención de burlarse del australiano mamporrero.
«El año que vivimos peligrosamente», sin saber yo de qué podía ir, emitía un brillo cegador y cautivador a modo de cortos destellos televisivos; un canto de sirena que no tiene porqué ser fatal. La historia nos lleva a la inestable Indonesia de 1965, otro punto caliente más dentro de la cacerola hirviente del Extremo Oriente de aquellos años, con sus constantes guerras civiles, golpes de estado, dictadores de turno y luchas de poder con los dos grandes bloques como grandes titiriteros, todo ello salpimentado con la errónea impresión de que el otrora Max Rockatanski y la teniente Ripley son los protagonistas; incluso la Academia norteamericana así lo entendió al concederle el Oscar a la mejor actriz de reparto a Linda Hunt por su interpretación del ladino pero comprometido reportero gráfico Billy Kwan. No, los protagonistas no son Guy Hamilton y Jill Bryant, sino Billy, y es el propio Peter Weir quien me da la razón, pues Hunt encabeza los títulos de reparto. Es Billy sobre quien gira todo el drama, siendo el resto de personajes meras marionetas entre sus dedos, con las que poder, intentarlo más bien, cambiar el sino de Indonesia (el del mundo) a través del periodismo.
Billy Kwan está entre ambos mundos, chino por parte de padre y australiano por parte de madre, es un “híbrido” entre culturas que llega a un punto absurdo por su apariencia física, prácticamente un enano que observa la desnuda realidad, pero que está ciego con respecto a su impotencia, hasta que se da perfecta cuenta de que está solo pues ningún periodista occidental va a escribir una sola línea acerca del horror que filma y retrata cada noche en los barrios pobres de Yakarta, un material que no interesa ni al único hombre que considera su amigo, Guy Hamilton, el novato reportero de la ABS que luce el rostro de Mel Gibson.
Buena prueba de todo ello es cuando Billy ofrece su material completamente gratis en el bar del hotel y estalla violentamente contra sus compañeros, tan solo preocupados por la gloria personal que acarrea el drama que interesa a los noticiarios a los que sirven, donde el hambre y la miseria ajena están muy vistos.
Tras la larga sombra del pequeño Billy Kwan, quien decide sacrificarse, hacer algo ante el cúmulo de injusticias con las que se ensucia los zapatos cada noche, están Guy Hamilton y Jill Bryan, el periodista recién llegado y la insinuante agente de Inteligencia de la embajada británica en Yakarta, viviendo un romance en medio de la vorágine de una anunciada guerra civil y en el que el carácter de cada uno arañará la superficie hasta hacerlo jirones o dar con una capa dura y resistente. Quien arañará más será Guy que, como periodista de raza, busca la Noticia con mayúscula, viviendo peligrosamente mientras trata de ser convencido por Billy para atacar el desequilibrio social desde su columna, haciendo equipo. Y, entre ambos hombres, está Jill, sensual y lejana, difícil de contentar y adorada por todo aquel que la conozca, una mujer sobre la que Billy se cree con derecho de posesión en una locura in crescendo.
Peter Weir lleva a la pantalla una historia nerviosa a pesar del calor y el monzón, en un país a punto de estallar en el reflejo de un limitado estudio zoológico humano, sobre todo periodístico, con escenas que me recordaron a otras que leí en las páginas de «El honorable colegial», de John le Carré; pero nada como el personaje de Billy Kwan, punto central en la cuerda de la que tiran y aflojan desde ambos extremos. Una historia que al final resume algo a lo que somos muy dados los blancos en cuanto la cosa se tuerce lejos de casa: coger las maletas y salir atropelladamente de la sala de embarque hacia el primer avión que nos lleve a la seguridad, mientras la sangre de otros se vierte a las puertas del hotel Indonesia; una muestra de hipocresía y del concepto de espectáculo de la inestabilidad política tercermundista que logra apaciguar nuestras atribuladas conciencias de salón.
No, la historia de Guy y Jill no es el motor, quizá sí el elemento armonizador, la traslación de la historia que Billy le cuenta a su amigo con las marionetas que guarda en su estudio.
La película conserva frescor, no así la banda sonora de Maurice Jarre, demasiado pegada a lo que se llevaba aquel año 1982; un guión crítico ante la imposibilidad material y/o voluntaria de guiar el árbol social hacia un equilibrio. Y es que no hacer nada es lo más cómodo.
lunes, mayo 06, 2019
viernes, mayo 03, 2019
jueves, mayo 02, 2019
Guardia de cine: reseña a «A Silent Voice»
Título original: «Koe no katachi». 2016. Japón. Anime: drama. 130 min. Dirección: Naoko Yamada. Guión: Reiko Yoshida, basándose en el manga original de Yoshitoki Oima. ABC Animation, Kodansha, Kyoto Animation
Un anime que es mucho más que una película sobre el acoso escolar: es una narración sobre la comunicación y contra las ideas preconcebidas, el aislamiento social y el suicidio como vía de escape a los problemas personales
Ésta va a ser una reseña nada fácil de escribir debido a la complejidad emocional de la trama de A Silent Voice, mucho más intrincada que aquellas a las que estamos acostumbrados a contemplar y disfrutar. La premisa parece simple: el acoso escolar o, de forma más “molona” para nuestros paladares, “bullying”; pero la cinta encierra una radiografía social y juvenil que rompe esa barrera sobre la que pivota.
La sinopsis presenta a Ishida Shôya, un chaval problemático que encuentra otra forma mejor de dejar de aburrirse en clase que acosar a Nishimiya Shoko, la chica nueva de su curso quien, además, es sorda. Las humillaciones y vejaciones van a más, con la participación activa y la connivencia pasiva del resto de compañeros, hasta que, un buen día, Shoko deja de asistir a la escuela y las consecuencias caen en tromba sobre la cabeza de Shôya, quien es apartado por el resto de alumnos, incluso por aquellos que le acompañaban en sus correrías o le amonestaban de forma laxa. El resumen de la contraportada no coincide con la introducción de Shôya en la cinta, quien pretende, de forma sincera y pasados seis años desde el incidente final, lograr el perdón, incluso a costa de su propia vida.
Shôya, tras una discusión al borde de las lágrimas con su madre, pues ésta ha descubierto las intenciones de su hijo de suicidarse, inicia un camino de redención, otro más entre tantos que han sido tratados en la Literatura, pero desde una perspectiva multifocal. No sorprende que la víctima tuviera que abandonar el centro formativo, pero sí que el acosador sufriera después el vacío de la microsociedad escolar. Shôya trata de analizar porqué hizo daño a Shoko y, también, porqué se esfuerza en buscarle el sentido a tanto dolor, tanto ajeno como propio. En un momento dado, Shôya nos habla de una especie de justificación basada en el miedo a lo diferente y a lo que no le gusta, pero también en la falta de líneas de comunicación, lo cual le empuja a aprender el lenguaje de signos y plantarse ante Shoko y comenzar a comprenderla; incluso a satisfacer la necesidad de ambos de ser y tener amigos.
Las pruebas a las que se enfrentarán Shoko y Shôya juntos y por separado los llevarán a replantearse muchos prejuicios e ideas preconcebidas, recorriendo senderos paralelos, incluso en dirección contraria, en los que aflorarán los miedos y faltas de ambos personajes gracias a la intervención de los secundarios que los rodean, pues, ¿acaso estos no son pequeñas reproducciones de una parte esencial de los dos protagonistas? Shoko se siente culpable de su propia discapacidad auditiva y Shôya (con más razón) del dolor causado a la joven. Ambos son solitarios, cobardes, indecisos… Jóvenes en un juego demasiado salvaje.
Las dos horas pasadas que dura el metraje inciden en el valor visual de la comunicación no verbal (interesante es la forma de Shôya de ver a quienes le rodean, con los rostros tachados por una X), más allá de la simple contemplación de la naturaleza; pues, ¿qué otro problema hay más grave cuando se vive la adolescencia que la falta de comunicación y la incomprensión?
La historia que se narra en A Silent Voice es muy poderosa, cargada de humanidad, a veces no muy fácil de seguir y digerir, con un mensaje contra el acoso, lo preconcebido, el aislamiento social y el suicidio como vía de escape a los problemas personales; para reflexionar y tomarnos nuestro tiempo para formular nuestras ideas y transmitirlas; para actuar y asumir las consecuencias.
martes, abril 30, 2019
Relación de publicaciones de Abril de 2019
Cómic «1921: El Rif», Cascaborra Ediciones
—Entrevistas:
—Reseñas:
Colaboraciones con la Revista General de Marina
—Cosmonavt Yurii Gagarin, ISSN 0034-9569, Vol. 276, MES 3, 2019, págs. 239-246.
Libros
Este mes de Abril he relanzado Major Bowie. La influencia de la ciencia ficción y la carrera espacial en la vida y música de David Bowie, con una tercera y definitiva edición que llega hasta las 135 páginas y las 35 piezas musicales reseñadas, contando además con nueva portada, realizada por el ilustrador Antonio Gil.
Reseñas
—Reseña a la película bélica «Zona hostil»https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-zona-hostil.html
—Reseña a la película de Steven Spielgberg «Ready Player One» https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-ready-player-one.html
—Reseña a la novela de ciencia ficción «El fin de la infancia», de Arthur C. Clarke https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-literatura-resena-el-fin-de.html
—Reseña al biopic «Jackie» (2016) https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-jackie.html
—Reseña a la película «Matar a un ruiseñor» (1962), adaptación de la novela de Harper Lee https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-matar-un-ruisenor.html
—Reseña a la película «El año más violento» https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-el-ano-mas.html
—Reseña a la película de Woody Allen «Delitos y Faltas» https://navengantedelmardepapel.blogspot.com/2019/04/guardia-de-cine-resena-delitos-y-faltas.html
Guardia de cine: reseña a «Delitos y faltas»
Título original: «Crimes and Misdemeanors». 1989. EEUU. Tragicomedia. 1 h. y 44 min. Dirección: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Elenco: Martin Landau, Woody Allen, Bill Bernstein, Anjelica Huston, Mia Farrow
El exceso y el defecto parece ser las únicas razones de nuestro éxito o fracaso, según parece afirma Woody Allen en esta película que puede ser una de las menos interesantes para el espectador medio de su obra
Hubo quien dijo, con sus razones, que las películas de Woody Allen eran (y serán para él) raras, difíciles de comprender; una pérdida de tiempo, hablando en plata. Yo compartí tal opinión a mis entonces novicios quince años, refugiándome en el fugaz contacto con semejante filmografía tras un zapeo desconsolado por la parrilla; solo una vez me detuve ante tan graciosillo hombrecillo que protagonizada un filme que comenzó como comedia cuando di con él y que terminó en un drama que rozaba el patetismo existencial. Y es que la capacidad de Allen para escribir obras agridulces es lo que provoca reacciones encontradas.
Habiendo doblado aquella edad y sumando unos aniversarios más, soy capaz de sentarme sin complejos delante del televisor y disfrutar de la complejidad que Allen transmite a sus guiones, sobre todo en aquellos previos al año 2000. Este en particular que hoy nos ocupa, «Delitos y faltas», del año 1989, es un drama con contados tintes humorísticos, que anticipa al espectador lo que va a suceder por medio de extractos extraídos de películas clásicas en blanco y negro y del documental que el personaje que encarna Allen, el fracasado director de cine Cliff Stern, pretende que le sea producido; una historia separada en dos serpientes que solo se encuentran durante los últimos minutos, enroscándose en torno a las decisiones que van conformando nuestro éxito o desgracia; lo que somos, a fin de cuentas. Por un lado está Judah Rosenthal, un oftalmólogo reputado cuya vida de ensueño se ve amenazada por Dolores Paley, su amante, algo que el primero no está dispuesto a permitir; por otro está Cliff Stern, un cineasta gris que se ve obligado a trabajar para su pomposo y pedante cuñado, un peso pesado del entretenimiento televisivo, gracias al cual conoce a Halley Reed, una mujer que le hará replantearse el amor y su moribundo matrimonio. Ambos hombres irán tomando decisiones que les harán desprenderse de las capas superficiales para alcanzar su verdadera alma; decisiones que llevaran, incluso, al encargo de un asesinato.
Lo más perturbador de la cinta es el propio final, cuando Judah Rosenthal y Cliff Stern comparten el suspiro que concede un corto cigarrillo y una copa terciada, lejos del bullicio de la sala donde se celebra un banquete de bodas. La visión de Allen sobre el destino del hombre es pesimista, pues mientras el asesino acepta la carga de su delito con total naturalidad, constatando que su vida incluso ha mejorado, el pobre enamorado se hunde en el barro de la frustración, quedándose sin trabajo, sin matrimonio y sin la chica por la que bebe los vientos.
A través de los flashback de la relación adultera de Rosenthal y de las películas que Stern visiona con su adorada sobrina, Allen expone su frío razonamiento: no existe justicia universal, sino el fruto de nuestros actos y decisiones y de la forma en la que lo asumimos en el fuero interno como seres humanos no del todo humanos. Pero, ¿es cierto lo que afirma Allen, que todo depende de nuestro propio carácter? ¿Estamos condicionados únicamente por la naturaleza de nuestra psique? ¿Por exceso o por defecto? Cada uno que manifieste lo que más le interese o case con su moral.
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