martes, marzo 12, 2019

Guardia de literatura: reseña a «IT», de Stephen King

DEBOLSILLO. JET
Barcelona, 2016
1504 páginas
ISBN: 978-8497593793
Canto nostálgico dedicado a la etapa infantil, tan importante y, a la par, tan subestimada; a un periodo que acaba emborronándose con la llegada de la edad adulta para muchos de nosotros.

Coulrofobia: dícese que de la fobia o miedo irracional a los payasos y mimos.

Mi dilatada experiencia como lector de las obras de Stephen King me ha arrastrado hacia diferentes y oscuras facetas del terror. Muchos son los títulos que han hecho sentir su peso en mis manos, aunque hay otros tantos que esperan su turno en medio del silencio. Algunos deben su actual estado inerte a una serie de elementos clave: su trama no me atrae en absoluto y el bueno de Steve, el Maestro de Bangor, publica a un ritmo mayor del que yo soy capaz de terminar una sola de sus novelas.

Pero existe una obra en concreto me resistía con especial empecinamiento. Siquiera me atrevía a rozar con la yema de los dedos su lomo: «IT».

Aunque no existe loquero con la pared cuajada de diplomas que me lo haya diagnosticado para su inclusión en letras doradas en algún rincón de mi currículum vitae, sé de siempre que sufro de coulrofobia, huyendo como alma que lleva el diablo de esas chillonas extravagancias y esos rostros maquillados en exceso que ocultan la verdad. Los únicos payasos cuya visión me es tolerable son aquellos entrañables de la tele: Miliki, Fofito…, más que nada porque no se ocultaban, pues su única deformación artificial constaba de unas prótesis nasales de color carne y unas pelucas lacias y pajizas y punto.

Iniciar la lectura de «IT» bien puede considerarse una prueba, una catarsis para esos miedos que algunos comparan con los del hombre primitivo frente al monstruo que irrumpe en sus sueños (y es que, encima, la criatura maligna se convierte (o es en realidad) en una especie Ella Laraña, lo cual ya riza el rizo). Quizá haya cometido un error; quizá King potencie mi terror hacia la figura plástica que juega conmigo desde el subconsciente. Pero aquí estoy, recién terminado de leer un cuento moderno de niños enfrentados a monstruos diabólicos.

El primer capítulo ya me dejó claro que «IT» pasaría a ser la novela de terror que más me impactaría. Hasta la fecha la corona la lucía, orgullosa, «El misterio de Salem’s Lot», pero la sencilla narración del pequeño George Denbrough tras su barquito de papel, directo a la muerte, resulta descorazonadora; me erizó el vello, incluso el de la barba (cosa que revivo al escribir estas líneas). Ese capítulo es corto, pero muy intenso, anunciando desde el primer párrafo la fatalidad. La imagen de inocencia del chicuelo, con su impermeable amarillo y sus botas rojas tras el barquito parafinado por Bill, su hermano mayor, encamado para curarse una gripe, mezcla a la perfección el amor fraternal y una desgracia terrible. No podemos hacer otra cosa que temblar ante el destino de Georgie, que corre feliz tras su juguete, mientras King nos susurra al oído que el niño tiene miedo a un monstruo que “anida” en el sótano de la casa familiar; un monstruo que, supuestamente, solo está en su imaginación infantil y que apenas es una sombra en comparación con el ser que asomará al otro lado de la alcantarilla, con Pennywise.

Tras el suceso sin explicación aparente de la muerte de Georgie, transcurren veintiocho años. Nos vemos encerrados en salas de interrogatorio de la comisaría de la Policía de Derry, en las que se trata de arrinconar a tres gamberros, sospechosos del asesinato de un joven homosexual. Será el segundo destello de Pennywise, aunque apenas remarcable en la declaración de unos de los sospechosos y de la pareja de la víctima. ¿De dónde habría salido ese tipo vestido de payaso? ¿Qué hacía bajo el puente? ¿Acaso importaba?

Finalizados estos dos brillantes capítulos, King desgrana a los personajes que van a ser los protagonistas de la novela y lo hará de adultos, en el 1985, al momento del asesinato del joven gay. Ha transcurrido una vida desde que se conocieran en aquel verano de 1958 y se enfrentaran a ese terror hambriento que consiguieron olvidar hasta que el recuerdo asoma al otro lado de la línea telefónica: Pennywise ha vuelto para exigir su tributo de sangre humana. El grupo de chavales había prometido regresar a Derry si sucedía tal cosa, no importando dónde estuvieran ni su situación personal, y esto es lo que le permite a King realizar una presentación muy interesante de los personajes que encajan biográficamente con la etapa vital del autor en aquel momento: ya no hay rastro de esos pobres profesores de inglés, de esos anónimos errantes de flacos bolsillos; aquellos tiempos habían quedado atrás para Steve, Tabita y sus tres hijos. Quizá solo quede el destello de fracaso de Mike Hanlon, casi encadenado a Derry para no olvidar.

La introducción de estos personajes se realiza a través de ciertos pasajes de su Pasado que condicionan su Presente, a excepción de tres, por los que King adopta una forma distinta de darlos a conocer. Todos son adultos que han alcanzado cierto éxito, incluso fama mundial, pero no por ello son necesariamente felices, como es el caso de Beverly, quien es retratada a través de los pensamientos de su marido, un brutal maltratador. Idéntica forma de ser presentado, a través de su cónyuge, recibe Stan, quien no soporta la idea de tener que cumplir aquella promesa infantil sellada con sangre en 1958, y se suicida en la bañera mientras su esposa ve tranquilamente la televisión. La tercera excepción es la de Mike, quien se eleva a la calidad de narrador a través de unas notas  manuscritas que se encuentran en la biblioteca pública de Derry, donde trabaja, y que daban cuenta de su proyecto de investigación de la ciudad y de ese horror que dispara las estadísticas de desapariciones y asesinatos cada ciclo de entre 27 ó 28 años. 

Tras ellos da comienzo en sí la historia de «IT», del encuentro de todos los chavales con ese detallismo al que King nos tiene acostumbrados, tanto visual como musical (abusando, creo yo, de Bruce Springsteen).

«IT», como «Cuenta conmigo», es un canto nostálgico dedicado a la etapa infantil, tan importante y, a la par, tan subestimada. La edad de los personajes en concreto, la ambientación (finales de la década de 1950), todo, sirve a King para rememorar ese periodo del que guarda muy buen recuerdo, pero que fue el mismo del que surgieron sus miedos y obsesiones. Un periodo que acaba emborronándose con la llegada de la edad adulta para muchos de nosotros.

King desarrolla a sus protagonistas de forma excelsa, a través de pasajes de amistad y de terror, primero individual y luego colectivo. “Eso” es lo que los aúna en una cruzada que bien puede ser contra los males de la sociedad, materializados en la ciudad de Derry, o contra los miedos puramente infantiles; la propia Derry es el coto de caza del Mal. Quizá por eso la escena que más me horrorizó sea la más simple; dejo muy de lado las alucinaciones de Eddie con zombies o sanguijuelas voladoras que enmudecieron a Beverly, todo lo gore, así como la araña gigantesca, un terror puramente cósmico a semejanza de los creados por H. P. Lovecraft; estoy hablando de una escena cotidiana (¿acaso King no es el rey del terror cotidiano?), protagonizada por Ben Hascom, quien, de adulto, recorre la biblioteca que le marcó tanto de niño y donde se topa de frente con Pennywise, a quien solo él puede ver. No es un capítulo de uno contra uno, como sucede en el regreso de los chavales a Derry; la sala de la biblioteca está ocupada por diferentes lectores, pero solo Ben se percata de la presencia de Pennywise y éste de la de Ben.

Me ha gustado especialmente el diario-ensayo histórico de Mike, quien desgrana la Derry negra, con sus extraños pasajes de violencia inexplicable a través de la transcripción de varias entrevistas realizadas a testigos presenciales de brutales asesinatos y reyertas. Rompe con el hilo de la narración, marca de King, al igual que esas pequeñas crónicas informativas que acompañan a la trama.

Pero lo que menos me ha gustado es la inclusión de varios personajes secundarios que poco o nada aportan. En concreto hablo de Tom Rogan, el violento marido de Beverly (una copia al carbón de su propio padre), quien ayuda a una magnífica presentación de la protagonista, sí, pero cuya participación posterior en la novela, más allá de ese capítulo introductorio, es nula. Es más, para cuando King vuelve a colgarlo de la trama, te cuesta unos segundos dar con la respuesta a ¿quién demonios es ese tal Rogan? Su peso no resulta mayor que el del primer peón en caer en una partida de ajedrez.

Más frustrante es el Henry Bowers adulto. King se deshace frente al teclado con su demencial versión juvenil, sin réplica pasados los años. Bowers, una buena noche de 1985, se escapa del manicomio donde está encerrado, cumpliendo pena por varios asesinatos, y King solo lo emplea, con excesivo detallismo, para sacar momentáneamente de la circulación a Mike y asustar al hipocondríaco Eddie.

Son dos personajes casi absurdos. Incluso sobra la famosa actriz Audra, la mujer de Bill Denbrough, a pesar de que protagoniza una escena de esas que te hacen sudar cuando es capturada por “Eso”. Pero  King la reserva (esa es mi idea) para dar a su novela un final diferente, más positivo y menos siniestro, al seguir unas líneas paralelas marcadas en «Cementerio de animales», pues, en esta ocasión, Bill, el marido, logra salvar a su esposa de las garras del mal absoluto y le devuelve a una vida real.

Como es típico en King, el amigo no es capaz de evitar meter algunas escenas que podrían haberle encantado a él, pero que me han parecido poco menos que prescindibles. Quizá el problema fuera mío, pero no me pareció muy digna la descripción de la llegada de “Eso” a la Tierra o el mal trago de Richie paseando por Derry, enfrentándose a la estatua de Paul Bunyan. Tampoco la escena dentro de la casa de Neibolt Street con un hombre lobo con chaqueta de instituto emergiendo de una taza de inodoro. Entiendo la pasión de King y de los propios muchachos por el cine de serie B, pero esto último quizá sea demasiado.

«IT» es, a fin de cuentas, la obra de ficción firmada por King que más me ha costado terminar de leer. Precisamente no es corta, pero no es la razón por la que me haya resultado dura de tragar; es como si, por fin, el amigo de Bangor hubiera dado con la tecla correcta para prolongar mi pesadilla durante meses.

Lectura de 12 de Marzo de 2019 a las 1200 horas




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jueves, marzo 07, 2019

Guardia de cine: reseña a «Ant-man»

Título original: «Ant-Man». 2015. 1h. y 57 min. Acción. EEUU. Color. Dirección: Peyton Reed Guión: Edgar Wright, Joe Cornish. Elenco: Paul Rudd, Michael Douglas, Evangeline Lily, Corey Stoll

Visionar «Ant-man» ha sido una grata sorpresa por su calidad, siendo un filme inclinado hacia la diversión pura y dura, pero sin abusar de fórmulas estúpidas

Stan Lee (DEP) se arriesgó y mucho en aquella temprana época en la que creaba personajes y escribía guiones para una Marvel en plena regeneración tras una década de decadencia. Durante el paso angosto y espinoso que separaba los ’50 de los ’60, Lee se percató de que una araña evolucionaba a lo largo y ancho de la pared contigua a donde se encontraba y pensó en un hombre con los poderes de un arácnido, previamente irradiado (como no podía ser de otro modo, la radiación debía tener los morros metidos en el asunto, pues el autor vivía obsesionado con la energía nuclear y a sus primeras historietas nos remitidos). Una picadura de una inocente arañita mutante y Lee ya compuso en su mente a Peter Parker, pero era consciente de que el común de los mortales ponen cara de disgusto ante cualquier ser perteneciente a un reino animal sobrado de antenas, patas y formas alienígenas. Aún así, acabó siendo unas de sus creaciones más populares: Spiderman, quizá el superhéroe más patoso ante el devenir de su insípida vida y con el que cualquier joven podría identificarse: un don nadie que sacaba buenas notas y un torpe social que acaba siendo el abanderado de la venganza Nerd (aunque, eso sí, menudas mozas que no se buscaba: Mary Jane, Gata Negra, etc.).

Si funcionó con las arañas, otro tanto podría suceder con un tipo de animalitos que causan, ciertamente, menos repelús o ninguno: las hormigas, esas incansables motas que recorren el reposabrazos del banco en el que cualquiera se ha sentado a descansar las piernas en el parque o donde sea; están por todas partes. Ellas podrían inspirar un nuevo superhéroe, diminuto y muy poderoso.

De Ant-man no he leído gran cosa más allá de un par de número muy sueltos, de esos separados por el transcurso de más varias décadas, y algo más en un recopilatorio de las primeros Vengadores que pronto dejé de seguir y para los que Lee escribió unos guiones que no soportan el paso de los años, con los diálogos de, por ejemplo, la Avispa que provocan urticaria y sonrojo; es más, hay que asomarse a sus páginas con un generoso lingotazo ardiendo aún en el coleto.

Escaso es el material que he tocado como para formar una opinión, y lo poco que poseo es en negativo. Pero visionar «Ant-man» ha sido una grata sorpresa por su calidad, siendo un filme inclinado hacia la diversión pura y dura, pero sin abusar de fórmulas estúpidas. Incluso los personajes secundarios más payasos son dignos, aunque de la receta no se desahucie el ingrediente del estereotipo. Ha sido agradable comprobar que los guionistas han sabido evitar hacer el ridículo y poner de lo malo lo justo. 

En «Ant-man» parece no existir puntos débiles y ha sido todo un acierto presentar a Scott Lang recogiendo el testigo de Hank Pym; más bien me ha encantado cómo aparecen por primera vez en la pantalla y la historia pública que lo ha conducido hasta ese momento. Eso sí, la trama no puede ser más típica: un superarma que puede caer en manos equivocadas. ¡Qué sorpresa! ¡Qué originalidad! Pero, damas y caballeros, este mundo es en blanco o negro, aunque con mallas de colores chillones; buenos contra malos malísimos, así de simple y efectivo. Incluso la chica mona se enamorará del (anti)héroe (única intervención en pantalla de Evangeline Lily en la que esta chica “me pone”). 

La historia se resume así: Hank Pym, traumatizado por sus experiencias como Ant-man, se ha enclaustrado en su mansión, custodiando una tecnología que considera un peligro para la subsistencia de la Humanidad y su familia; sin embargo, uno de sus discípulos ha avanzado mucho en sus estudios y alcanza a descifrar el enigma, pero de su admiración inicial por su mentor pasa, con los años, a una abierta hostilidad toscamente maquillada con cortesía. Entre ambos hombres se encuentra Hope Pym, distanciada emocionalmente de su padre tras la extraña muerte de su madre en 1987.

Por otro lado está Scott Lang, un ladrón con conciencia que acaba de salir de prisión; aunque quiere hacer lo correcto para recuperar a su hija, para quien solo tiene ojos, el mundo exterior pronto lo engulle y apenas dura en un puesto de una cadena de heladerías, como otros tantos delincuentes licenciados. Todo de color de rosa, hasta el punto de que su exmujer está casada con un policía que le tiene ojeriza.

El guión, que no nos trae nada nuevo a la retina, cuenta al menos con suficientes bases para enraizar en una película perdurable y digna para un espectador que solo busca entretenerse, pasarlo bien y encontrar un mínimo de fondo en el que pueda verse reflejada su figura interior. Todo ello sazonado con el acierto de esta regeneración cinematográfica de la Marvel, vinculando su línea argumental con las distintas franquicias abiertas.

Lo mejor es que se le hace justicia al personaje de Ant-man y hasta despierta curiosidad por el mismo: me gustaría leer algo de sus aventuras, por minúsculas que éstas sean. Así como el humor, siempre presente hasta el mismo final, muy de andar por casa, marcado por la procedencia étnica de los secundarios, pero no trasnochado o vergonzante. Y todo ello bien arropado por el buen hacer y presencia indiscutible de Michael Douglas, quien se los come a todos en cada plano.

Lectura de 7 de Marzo de 2019 a las 1200 horas




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martes, marzo 05, 2019

Guardia de televisión: reseña a la serie de anime «Planetes»

Título original: «プラネテス (Puranetesu)». 2003-2004. 26 capítulos de 20 min. Drama, ciencia ficción. Japón. Animación. Dirección: Goro Taniguchi. Guión: Ichiro Okouchi. Estudio Sunrise

Adaptación televisiva del manga homónimo de Makoto Yukimura, con una argumento serio del futuro de la humanidad en el espacio a medio plazo. 26 capítulos (divididos originalmente en dos temporadas) con los que poder recapacitar sobre los problemas vigentes y los que están por venir

Una inexplicable conjugación de casualidades fue la que me condujo a que, hoy día, custodie en mi casa los seis DVD que encierran los veintiséis capítulos que componen esta serie de anime del género de ciencia ficción dura. No recuerdo el año en el que ese cúmulo extraño me envolvió, pero sí el orden de acontecimientos…

Me encontraba por aquella casi obsesionado, a la búsqueda y captura de películas japonesas de animación. Para ello me servía de Youtube y me pasaba los ratos libres navegando entre spots que ayudaran a enriquecer mi escasa cultura. Fue entonces cuando le saltó al ojo un producto novedoso por desconocido y poco común a los resultados que solía obtener: «Planetes», una serie que adaptaba un manga de idéntico título, de Makoto Yukimura, y que nos lleva a los años ’70 del s. XXI, a un futuro en el que la humanidad ha colonizado la Luna y Marte y explota sus recursos; un tiempo en el que los vuelos espaciales son habituales y la basura que órbita alrededor de la Tierra es un innegable peligro para la navegación, razón por la que existen unidades de recogida de desperdicios bajo los auspicios de distintas empresa que operan en el espacio.

El argumento se mostraba como serio y, para mi sorpresa, todos los episodios estaban disponibles en castellano en el portal de marras y por intercesión de un alma caritativa de esas que no entienden las normas de protección de la propiedad intelectual.

Aunque me hicieron gracia los minutos iniciales del primer capítulo, sobre todo la forma en la que la pareja protagonista se conoce (un tanto bizarra), no seguí adelante ante la saturación de humor japonés para el que no todos estamos debidamente vacunados. Pero me anoté la serie. ¿Por qué no?

Y resultó que, a los contados días, paseando por la calle, donde abre sus puertas el establecimiento de Cash Converters de mi ciudad, me detuve ante su escaparate con la sana intención de calmar el aburrimiento, acumulado entre tanto hormigón y alquitrán, y cual fue mi sorpresa al encontrarme con un pack de marcado color azul con la palabra griega «Planetes» y anunciando que contenía la serie completa en su interior.

Exclamé para mis adentros.

«¡Vaya!»

Pero no hice nada más, dirigiendo mis pesados pasos hacia la siguiente estación. No me inquietaba para nada la visión. Sabía que ese producto a la venta se había materializado en el escaparate por casualidad; quizá llevaba semanas allí y yo estaba más que harto de que mi retina lo obviase… pero, repito, «¡Vaya!»

Esa misma semana, un par de días a lo sumo después del hallazgo fortuito, acabé sufriendo una serie de desencuentros cada vez más violentos y me sentía como una maldita olla a presión, cargada de clavos, a punto de estallar y llevarse por delante a quien fuera. Y en esas ocasiones, antes de lamentar, lo mejor es levantar el trasero y calmarse con un sano garbeo por los alrededores, poniendo metros de distancia con el foco de la infección; así lo hice y mis pasos me llevaron, a marchas furibundas más que forzadas, ante el Cash Converters, pegando casi la nariz a la luna del escaparate. Sí, señor; ahí seguía el pack de «Planetes», llamándome en silencio, rodeado de otros títulos distribuidos por Selecta Visión.

Sí, claro. ¿Qué razón habría para no hacerlo? Lo necesitaba. Es casi como un bajón químico; quizá sin el como.

Si recapacitar (no había razón), crucé las pesadas puertas de la tienda y me dejé envolver por el ambiente acondicionado y saturado del interior, tan distinto de aquel que se respiraba en el exterior, donde quedó a la espera todo rijoso rastro de mi particular y endémica vergüenza y tibieza para asaltar al primer dependiente que pasó a menos de dos metros de mí y le exhorté a que me vendiera la serie. 

Como no debió entender (o justo lo contrario), el muchacho dispuso ante el mostrador y con cierto orden atractivo todas las colecciones de anime, informando del inmejorable precio de 12 € la unidad y que todas estaban en perfectas condiciones, como nuevas. Sí, genial, pero yo solo quería «Planetes». El resto de títulos se perdían entre la bruma del desinterés.

El dinero cambió de manos, pero no salió de mi bolsillo. Fue un bálsamo para mi alma, la culminación de una inocente y hasta infantil venganza hacia quién me estaba sacando de quicio. Me sentía pletórico cargando con mi última adquisición, aún con cierto matiz de resentimiento en la garganta… Y, sin embargo, he tardado años en ver la serie entere. Justo terminé ayer de hacerlo para unas sesiones nocturnas de dos capítulos de cada vez. ¿No os suele suceder cosas así? Es como con los cromos: te obsesionas con conseguir el que cierra la colección y, luego, te olvidas de ella en el fondo de un cajón. Espero que vuestra respuesta sea afirmativa, pues no me gustaría ser el único al que le pasa esto.

En mi primer intento por ver la serie más allá de unos minutos en Youtube no llegué más allá del capítulo sexto, camelado por otras inquietudes videográficas o por el aborrecimiento hacia cierto abuso del ya referido humor nipón; pero hace unos días una pieza que estaba suelta dentro de mí encontró su lugar y “me llegó la orden” de regresar al espacio junto a los tripulantes de la Toy Box de la Technora, justo cuando tropecé con «Planetes» en su formato original en papel y del que no he podido leer apenas nada para apoyar una reseña como es debido.

Como ya he dicho unos párrafos atrás, la serie nos traslada a la década de 2070, cuando el problema de la basura espacial es capital para la seguridad del desarrollo humano, que ha roto la cerradura de su confinamiento terrestre. Un simple tornillo que, a ocho kilómetros por segundo, impactó contra la ventanilla de una nave civil de pasajeros provoca una catástrofe de una magnitud hasta entonces no tenida en cuenta. 

Menos de un lustro después del fatal accidente, muchas serán las empresas que dedican parte de su presupuesto a la recogida de desechos, que van desde tuercas a satélites en desuso; un negocio que permite obtener materiales reciclables pero que dista de ser un lucrativo negocio para aquellos que no obtienen las mejores concesiones en una lotería un tanto arbitraria.

En la estación orbital Seven se encuentra la Technora, empresa que acaba de contratar a Tanabe Ai y otras compañeras para desempeñar distintas funciones. Tanabe está destinada a la Sección de Desechos debido a sus estudios y licencias para actividades extravehiculares, una ínfima rama de la empresa que recibe el jocoso sobrenombre de La Semi debido a sus pobres resultados al cierre del ejercicio contable (más que nada por la categoría de desperdicios que tienen permiso para recoger), por lo que solo reciben la mitad del presupuesto anual que les correspondería.

Tras un embarazoso traspiés al presentarse Tanabe en Control y no en la Sección de Desechos, Tanabe conocerá a sus compañeros y a Hoshino Hachirota (alias Hachimaki o Hachi), un tipo irascible que será su superior inmediato y quien no se corta un pelo a la hora de ser duro con una chica tan frágil en apariencia.

Hachi es el protagonista de la serie, a cuyo destino quedará unido Tanabe.

Desde el principio seremos testigos de las relaciones laborales en la Technora, como si en el afán del guionista estuviera mostrar las particularidades empresariales internas en Japón. Un punto interesante que choca con la japonización forzosa de los personajes no japoneses. 

Al contrario de lo poco que he observado en el manga, la serie es más coral, aunque sea, a priori, solo como recurso puramente cómico, sobre todo gracias a los más veteranos miembros de la Sección, para adentrarse en una espiral de oscura depresión que atrapará a Hachi mientras somos testigos de un futuro no muy halagüeño, distinto del que parece mostrarse durante los primeros estadios de la serie, de armonía y viajes ociosos al espacio. La Tierra es asolada por hambrunas y guerras civiles; países que otrora fueron poderosos han caído y son presa de rebeliones y de la política más nociva (no olvidemos que la ciencia ficción ha servido a la mayoría de los autores para relacionar y denunciar los males sociales del momento en el que firmaron sus obras). Solo unos pocos escapan a semejante panorama de inestabilidad como son los miembros de la Alianza, donde despuntan EEUU y Japón.

Los problemas de la Humanidad acaban alcanzando a los integrantes de La Semi y a aquellos otros personajes con los que interactúan, constatando las injusticias y desigualdades entre naciones, sobre todo en el reparto de las riquezas que se obtienen en la explotación de los recursos extraterrestres y los golpes de mano del grupo terrorista Frente de Defensa del Espacio, que se opone a la expansión humana por el cosmos para evitar la contaminación de otros astros y que cuenta con miembros convencidos de que los programas espaciales hacen a los pobres más miserables. 

Todo esto hará que algunos personajes tomen posiciones y decidan dar un giro de 180º a sus ideas preconcebidas; incluso la propia Tanabe profundizará más allá de su ingenuo concepto del amor y Hachi, quien experimentará una serie de dolencias psíquicas, encontrará el sentido a esa vastedad a la que se enfrenta cada día… Y no sigo más por aquí, que tampoco quiero destriparle a nadie la serie.

En el aspecto puramente gráfico, los veinte minutos de duración de cada capítulo son casi como una película por su excelente calidad, detalle, mimo y buen hacer. Se nota que siempre se quiso presentar un producto de primer orden para los amantes de la ciencia ficción dura, aunque bien es cierto que los encargados de los estudios de diseño no han querido ser ambiciosos a la hora de presentar un futuro como el que podrá ser el de la década de 2070 (al igual que Makoto Yukimura hizo en su momento), tecnológicamente hablando; mejora exponencialmente lo que se puede ver en el manga, pero todo resulta ser tan familiar que hasta siguen existiendo cabinas telefónicas y aparatos con funciones puramente analógicas que hoy día ya hemos superado. Ese futuro a 50-60 años vista, aparte de por las estaciones y las naves, no parece muy desarrollado en punto alguno, ¿por qué?, supongo que será para evitar lo fantasioso e hiperbólico, dando al espectador un punto de anclaje seguro y conocido.

En cuanto a los extras del DVD, estos no son muy espectaculares. Aparte de los consabidos spots televisivos, algunos capítulos están comentados y se introducen unos "cómics" más bien cómicos que ahondan en algunas cuestiones referenciadas en algunas escenas.

En la reseña de dos líneas de una espectadora que en su día leí, ésta compartió con quien quiso su opinión al afirmar que ningún otro anime le había dejado tan buen sabor de boca al terminar su visionado. Y yo estoy con ella; es verdad: su último capítulo te da las claves para un futuro prometedor sin el lastre de las fronteras y la desigualdad, en el que el espacio no será y no debe ser de ninguna bandera, sino de toda la Humanidad, desterrando cualquier visión impositiva nacionalista y victimista del pasado. Un futuro mejor que se descubrirá durante los títulos de crédito finales del último episodio, cargados de esperanza y que terminan de acunar al espectador, cuyos sentimientos podrán haber sido puestos a prueba con la triste suerte de Tanabe.

«Planetes» es, en mi opinión, un título donde refugiarse, como me sucede con otros tantos, cuando la oscuridad y el vacío ganan terreno y son tan espesas que me hacen dudar de la existencia de la luz.

Lectura de 5 de Marzo de 2019 a las 1200 horas




  • Barómetro: 751 (Variable). Encapotado
  • Termómetro: 13,5º
  • Higrómetro: 55%

lunes, marzo 04, 2019

Colección numismática “Historia de la Navegación”

La F.N.M.T. – R.C.M. presenta una nueva serie de monedas de colección dedicada a rememorar la “Historia de la Navegación”. En esta serie se reproduce una selección de veinte tipos de navíos que, por una u otra razón, han sido relevantes a lo largo de los tiempos. 

La colección se pondrá a la venta en distintas tandas. Durante el pasado año 2018 se pusieron en circulación las cuatro primeras, siendo que el resto lo hará a lo largo de este 2019. Para coleccionarlas se puede adquirir el libro-estuche "Historia de la Navegación", donde se describen las características técnicas de cada uno de los barcos. 

Las monedas de cuproníquel reproducen, a color, la imagen de un tipo de navío en general o en particular (como el que indicamos en este post: acorazada Carlos V). En el anverso se indica el valor nominal (1,5 €), con un círculo de seis delfines saltando sobre motivos acuáticos.

El precio individual de cada moneda es de 16,94 € (IVA inc.). El álbum con las cuatro monedas de 2018 cuesta 67,76 €, las de 2019 ascienden a 271,04 €, mientras que la colección completa, con las veinte monedas, se ha fijado en 338,80 €.




Lectura de 4 de Marzo de 2019 a las 1200 horas




  • Barómetro: 756,5 (Variable). Altostratos
  • Termómetro: 13,5º
  • Higrómetro: 55%

jueves, febrero 28, 2019

martes, febrero 26, 2019

Guardia de cine: reseña a «La modista»

Título original: «The Dressmaker». 2015. 1 h. y 59 min. Tragicomedia. Australia. Color. Dirección:  Jocelyn Moorhouse. Guión: Jocelyn Moorhouse, basada en la novela de Rosalie Ham. Elenco: Kate Winslet, Judy Davis, Liam Hemsworth

Western tardío, australiano y sui generis que retrata un microcosmos que gira en torno a la vileza y a la venganza

Dungatar es un pueblo de mala muerte, perdido de la mano de Dios, situado en algún punto no identificable del desierto de Australia. Un chusco de metal y maderamen que trata de ser un hogar y donde se sostiene una colonia infecta, una comunidad de hombres y mujeres entre los que se confunden algunas buenas almas; aplastados por el tórrido sol, deambulan sobre el polvoriento suelo, soportados por una maldad que les permite seguir un día más con vida. Un lugar, en apariencia, tranquilo que, a medio de los recuerdos dolorosamente recuperados por la protagonista de la cinta, irá desvelándose como lo que es: un nido de serpientes unidas por la vejación y la violencia más íntima.

Tilly Dunnage regresa a Dungatar tras varios años de exilio, el cual dio comienzo de niña, cuando fue injustamente acusada de la muerte traumática de un compañero de clase; pero Tilly ya cargaba por entonces con el oprobio de ser considerada una bastarda, la hija de una madre soltera, "de una guarra", como se lo repetían muchos adultos y otros no tanto en cuanto tenían aquellas orejas infantiles al alcance de su saliva. La muerte “a sus manos” del criajo, el típico abusón, le valió ser considerada (y considerarse a sí misma) como maldita, siendo que Tilly retorna con la intención de desvelar todo lo concerniente al supuesto asesinato que no recuerda haber cometido. Con la escasa ayuda de las prácticamente inexistentes buenas personas que habitan en Dungatar y que luchan a brazo partido por no ser engullidos por la tóxica e hipócrita comunidad, Tilly irá tirando del hilo de su historia personal mientras cose espectaculares trajes y vestidos, auténtica tela de araña que le valdrá para una venganza más agria que dulce, pues la tragedia se le adherirá a la piel como el sudor de un verano sin fin y arrastrará consigo a aquellos que pueda considerar como seres queridos.

La venganza se cumplirá aunque cualquiera que llegue hasta los títulos de crédito bien opinará que aquellos que la sufran se merecían eso y muchísimo más.

Lo más pintoresco de la cinta es el aire de Western de los ’70 que se cuela en ambientaciones, poses y giros de cámara; en característicos enfoques y acompañamiento musical. Si se hubieran colado unos caballos y unos revólveres de por medio, no se habría notado gran diferencia en una narración de sutil regusto a lo Tarantino, con sus notas de humor negro y de descubrimiento de la putrefacción del alma en la única calle del pueblo; una putrefacción que llega hondo, hasta a las vísceras de la mojigata de la hija del propietarios de la tienda de ultramarinos, pasando por el farmacéutico o la maestra; en un elenco de personajes odiosos y crueles.

Durante el visionado podría llegar a entenderse que la intención de Tilly es la de averiguar la verdad, limpiar su nombre y obtener el perdón de aquellos que la desprecian sin razón; alcanzar una redención e, incluso, el amor. Pero su camino es errático y sus “queridos” convecinos se esfuerzan para que Tilly siga llorando por  entre las ruinas de su pecho. El sabor salado de la venganza se diluye hacia el ecuador de la cinta, pero cristaliza y se afila en Tilly a medida que la gente que ama va desapareciendo. Se aprecia cierta bicefalia que demuestra la bondad innata de Tilly, incluso tras un sufrimiento imperdonable, en una visión muy cristiana de este personaje; una bipolaridad que se desequilibrará, haciendo al personaje central vestir las galas del ansia revanchista y de la justicia personal.

Las notas de humor, demasiado trilladas, son píldoras digestivas para una tragedia occidental; eficaces gracias a personajes como Molly la loca, la madre de Tilly, o el sargento Farrat, el policía local. Una ayuda necesaria para soportar un menú a base de hiel y recuerdos de pura vileza.

Lectura de 26 de Febrero de 2019 a las 1200 horas




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miércoles, febrero 20, 2019

Viajar a la luna en el año 1901

La temática de este artículo no casa para nada con la generalidad a la que se dedica este blog, salvo, quizá, en esa línea que abrí en su tiempo y por la que quería tratar diversos aspectos de la conquista del espacio. Pero ni aún así. 

Sin embargo, ¿por qué no hablar un poquito de cómo veían nuestros bisabuelos y tatarabuelos eso de los viajes espaciales, de lo que tenía poca Ciencia y demasiada fantasía? La culpa no es de nuestros ancestros pues, por aquel  entonces, no había pruebas que refutaran certeramente la inexistencia de vida en la Luna o de una vibrante civilización en Marte (o si no, que se lo digan a Percival Lowell).

En el año 1901 se inauguró en Buffalo (Nueva York, Estados Unidos de América) la Feria Pan Americana. Como se precian dicha clase de eventos, pretendió llevar al público a un pequeño mundo, casi en miniatura, recluido en los límites que se había concedido. Dar a conocer maravillas tanto técnicas como antropológicas de los cuatro vientos a los más curiosos, siempre con ese halo de puro espectáculo. Y es en dicha feria donde tendremos una primitiva oportunidad de viajar a la luna, ni más ni menos; no en un proyectil de artillería, como imaginó Verne, sino en un navío de amplias alas capaz de cargar hasta a 50 pasajeros. Dicho vehículo, de nombre Luna, fue una enorme góndola en el considerado como primer tren totalmente eléctrico de atracción, al que uno se podía subir por el precio nada barato de 0,50 $ (unos 16 € de hoy día). Pero la nave no era más que el primer escenario de una obra de ingeniería, atrezzo, vestuario elenco (200 actores) e imaginación casi sin precedentes, pues se pagaba el pasaje y visita del reino de la Luna (que, sin que quepa duda, inspiró el filme “A trip to the Moon”, de 1902), todo ello en un espacio de más de 12.000 m2 de superficie y 25 metros de alto, siendo que el coste de construcción ascendió a 84.000 $.

El mérito de esta atracción se la debemos a Frederick W. Thompson y la sola descripción de la misma puede dejarnos, como poco, alucinados.

Representación artística de la nave Luna
Los espectadores accederían a la nave en turnos de media hora. Su experiencia comienza en la propia cubierta, sentados en sus butacas; cuando un gong da la señal del soltar amarras, una serie de efectos hacía que tuvieran la sensación de estar volando y alejándose del suelo, donde se vería una ciudad haciéndose más y más pequeña, hasta ver el planeta a sus pies. En cambio, la luna se haría más y más grande y, tras superar una tormenta eléctrica considerada espectacular, los pasajeros desembarcarían en un cráter para recibir la bienvenida de los selenitas, que ejercerían de guías por la Ciudad de la Luna, donde abrían sus puertas tiendas de regalos y productos “típicos” de nuestro satélite, pero también ambientaciones de cuevas y salones.

El regreso a la Tierra se hacía a través de una escalera, previo pase por la boca de una enorme criatura de difícil descripción.

Mientras la feria estuvo abierta el público, visitaron la atracción más de 400.000 curiosos, algunos hasta de cierto renombre, incluido el propio presidente de los EEUU, el infame William McKinley, o el no menos censurable, aunque genial por su lado, Thomas Alva Edison.

Los extraños selenitas

En el Palacio del reino de los selenitas

Salida y regreso a la Tierra

Lectura de 20 de Febrero de 2019 a las 1200 horas




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martes, febrero 19, 2019

Guardia de literatura: reseña a «BOWIE. Una biografía», de Fran Ruiz (escritor) y María Hesse (ilustradora)

Primera edición: Abril de 2018
LUMEN (Penguin Random House
Grupo Editorial SAU)
ISBN: 978-84-264-0465-7
165 páginas
«BOWIE» es una obra ligera, sin aspiraciones a libro de consulta. Entre sus páginas podemos hallar el fruto de una ardua labor de investigación, pero también un trabajo ilustrativo de escasa originalidad

Tras el inesperado fallecimiento de David Bowie en Enero de 2016, las librerías sufrieron una especie de virulenta mutación para poder alojar la ingente cantidad de biografías dedicadas al cantante que se publicaron; algunas de ellas de reciente factura, otras, en cambio, recuperadas de entre los fondos descatalogados. Pero solo unas pocas lucían la marca que advertía al lector de que podían ofrecer un producto distinto y singular.

Como ya se quejó en su día un comprador de esta biografía que voy a reseñar en cierto portal de compra online que no necesita que le haga publicidad, este «BOWIE. Una biografía» no es una obra de consulta. Cierto: no lo es; para nada. 

Su atractivo se centra en la presentación de la vida y obra de Bowie a través de una narración parcialmente fabulada y en primera persona, acompañada de ilustraciones, rompiendo así el marco de que este tipo de libros han de quedar, por narices, custodiados en secciones infantiles.

Fran Ruiz se coloca en el lugar de Bowie y comienza a contarnos un cuento: el cuento de la existencia de David Jones. Al principio desafina bastante y corre el peligro de caer en el cajón de los fracasos absolutos. Ruiz mezcla realidad y ficción (es un cuento para adultos, recordémoslo), aunque de lo último hay lo justo y necesario. No, repito de nuevo, no es una obra de consulta ni al uso, pero, como estudioso que soy de la figura de Bowie, he dado con buena parte de la labor de investigación biográfica realizada por Ruiz asomando por las arenas. Dicho trabajo no ha sido superficial o anecdótico (y no he llegado a esa conclusión ante la recopilación de títulos que cierra el volumen, como bibliografía empleada); y dar con ellos detalles es lo que me ha hecho disfrutar de esta biografía en particular. Ha habido en su redacción entrega y cariño hacia Bowie.

Por otro lado, al ser un libro ilustrado, he de hablar de María Hesse, cuya participación en el proyecto es lo que más se destaca en portada, como si un libro sobre Bowie necesitara del arrastre de trabajos precedentes e independientes, aunque de la misma línea y que se han vendido como churros en el alba de Año Nuevo: la biografía ilustrada de Frida Kahlo, un éxito de ventas quién sabe si gracias a esa reivindicación a destiempo y no sé si leal de su figura por parte de ciertos colectivos autoproclamados feministas.

El libro dedicado a la artista mexicana me resulta ajeno, no lo he tenido nunca entre las manos y me falta ese anclaje a la hora de comparar el trabajo de Hesse, por lo que me limitaré a reseñar lo que veo. Sinceramente, este tipo de dibujo, de estilo en apariencia pobre, nunca me ha gustado por su desgarrada tosquedad. Es una opinión como otra cualquiera, pero que se completa con la comprobación de que la ilustradora se ha limitado a representar con sus pinceles fotografías de promoción, portadas de discos, imágenes públicas, etc., de David Bowie, aportando escasos pasajes de creatividad pura y dura (cuando el joven David es consciente de la grave enfermedad mental de su hermanastro Terry, cuando se evoca ese sueño en el que se materializa Ziggy o el cantante se da cuenta de la separación que había entre él y su hijo Zowie, y nada más), que, a pesar de su rotunda expresividad, considero absurdamente tributarios de la pinacoteca de Kahlo.

«BOWIE» es una obra ligera, sin aspiraciones a libro de texto. Es un cuento sobre una vida real, acerca de alguien que nos llegó bien hondo. Un libro que se lee de una sentada y que se puede disfrutar tantas veces se quiera.

Lectura de 19 de Febrero de 2019 a las 1200 horas




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martes, febrero 12, 2019

Guardia de cine: reseña a «El espía»

Título original: «Breach». 2007. EEUU. Drama. Color. 1 h. y 50 min. Dirección: Billy Ray. Guión: Adam Mazer, William L. Rotko y Billy Ray. Elenco: Chris Cooper, Ryan Phillipe, Laura Linney, Caroline Dhavernas, Gary Cole, Dennis Haysbert

«El espía» retrata de forma gris los dos meses previos a la captura del hombre considerado, por entonces, como el traidor más peligroso para los Estados Unidos de América. Recomiendo encarecidamente esta película a quien guste del cine de espías de toda la vida, sin artificios, despropósitos ni guaperas rabiosos

¿Dónde se encuentra el límite entre la confianza y el recelo? ¿Cuándo alguien puede entregarse a una tercera persona con los ojos cerrados? ¿Dónde se separan el patriotismo y la alta traición en la mente de un agente de Inteligencia?

«El espía» intenta retratar de forma gris los dos meses previos a la captura del considerado, por entonces, como el traidor más peligroso para los Estados Unidos de América, quien puso en peligro de muerte, colaborado en la eliminación a cerca de medio centenar de agentes y provocado una quiebra irreparable en la seguridad de la nación: Robert Hansen, un hombre con veinticinco años de servicio en el FBI y una de las figuras clave de la Inteligencia americana durante los últimos estadios de la Guerra Fría. Aunque, claro, no sabemos ahora si seguirá conservando su infame puesto en el cajón tras la entrada en escena de alguien de la talla de Edward Snowden, pues esta trama pertenece a un periodo en el que el mundo era diferente: en el que las Torres Gemelas seguían irguiéndose y dando sombra a la isla de Manhattan.

Hansen era un individuo irritante, irascible, violento y suspicaz sobre el que su aura de ultracatólico le proporcionaba otra de lealtad prácticamente inquebrantable. Si se le trataba de cerca y se superaba con éxito los primeros filtros de agresividad y territorialidad, podría causar admiración. Eso es lo que le sucede a Eric O'Neill, un chaval de contraterrorismo que busca y acepta misiones con tal de ganar su placa de agente del FBI y al que, por lo visto, castigan encasquetándole el trabajo de asistente personal de Hansen, quien está a punto de jubilarse. Eric es el espía del espía: ha de comprobar qué hay de verdad en las acusaciones de abuso y perversión sexual que penden sobre Hansen y que, por el momento, no habían visto la luz pública. Durante las primeras semanas, Eric termina convenciéndose de que su tarea es una arriesgada pérdida de tiempo; una estupidez deshonesta para un protagonista que se deja arrastrar por la fuerte personalidad, atractiva y controladora, de Hansen, hasta el punto de que su jefe trasciende al nivel personal y afecta a la vida conyugal de Eric.

Sin apoyo, Eric se ve abocado a una relación que supera los márgenes de lo que se entiende como normal entre un superior y un subordinado, más aún cuando descubre el objetivo real de la operación en la que él es el anzuelo: Robert Hansen es el enemigo doméstico número 1 de los EEUU, alguien a quien hay que neutralizar y capturar antes de que se vaya de rositas.

La trama que da base a la película la hace merecedora de ser calificada en ciertos sitios web como una de las cien mejores producciones de espionaje de la Historia. Comparto esa opinión pues el argumento clásico es real y carente de cegadoras explosiones, mareantes persecuciones y no menos movidas coreografías de peleas cuerpo a cuerpo, así como del consabido empacho de alta tecnología que han contaminado los modernos argumentos del género. Ambientada en el invierno del recién estrenado año 2001, es una historia de típica labor detectivesca, de agentes en una red de mentiras sin fin y de lealtades que se pagan con moneda falsa; una narración en la que los personajes sufren la tensión de estar en el ojo del huracán, fuertemente anclados, mientras todo a su alrededor sale despedido al cielo y gira hasta quedar destrozado y, con estrépito, es escupido al suelo.

Siendo que la película arranca con una rueda de prensa en la que se da a conocer la detención por alta traición de Robert Hansen, quien va a estar hasta el fin de sus días en una celda de máxima seguridad, no hay obstáculo que nos dificulte saber en qué terminará todo, aún no conociendo nada de este incidente previo al atentado del 11-S; pero tampoco para disfrutar, dejarse seducir por la tensión creciente que despliega el guión gracias a los posos de una personalidad como la de Hansen. 

El miedo a fracasar en la caza del topo, a no cobrar la pieza que, en el fondo, no dejaría de ser un trofeo para una victoria pírrica, es constante.

Por tanto, a quien guste del cine de espías de toda la vida, sin artificios, despropósitos ni arrebatadores guaperas, recomiendo encarecidamente «El espía».

Lectura de 12 de Febrero de 2019 a las 1200 horas




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lunes, febrero 11, 2019

«Las columnas del Imperio», de Sabino Laucirica


Hace tan solo unos días recibí un amable correo electrónico de parte de Sabino Laucirica, plentziatarra, excapitán de la Marino mercante y erudito historiador quien me hacía saber de su última obra «Las columnas del Imperio. (Cuando los vascos conquistaron el mundo para la corona española)» (Ediciones Beta III Milenio), donde dedica 360 páginas a desentrañar la vinculación vasca en la forja del Imperio español, entre 1492 y 1805, para llegar incluso a la batalla del cabo Machichaco, durante la guerra civil 1936-39.

Y como viene siendo costumbre en estas cubiertas, gustosos nos hacemos eco de esta reciente publicación, siendo que os ofrecemos, a continuación, una completísima sinopsis a cargo de su autor.



SINOPSIS

«Las columnas del imperio» es la crónica de un viaje de más de tres siglos por los paisajes de un imperio donde nunca se ponía el sol.  El pueblo vasco no ha sido un pueblo aferrado a su tierra y a sus costumbres sino que se lanzó a la conquista de un mundo desconocido. En este viaje estaremos al lado de muchos de sus protagonistas.  

La reconquista ha terminado en Granada, llevaremos al último rey nazarí Boabdil el Chico de vuelta a Cazaza (Reino de Fez) en el buque del corsario de Lekeitio Iñigo de Artieta, descubriremos poco después el Nuevo Mundo  de la mano de Juan de la Cosa “vizcaíno” navegante y armador de la nao Santa María, escucharemos las palabras de Fray Bartolomé de las Casas “los indios tenían reciente memoria de haber llegado a esta isla Española otros hombres blancos y barbados como nosotros, antes que nosotros no muchos años”. 
  
Pocos años después de la mano de Pascual de Andagoya asistiremos a la fundación de la ciudad de Panamá y veremos por primera vez el Océano Pacífico en los ojos de Vasco Núñez de Balboa, asistiremos al milagro de la Virgen de Guadalupe junto al obispo de México, Fray Juan de Zumárraga, declararemos la independencia de las tierras del Orinoco junto a Lope de Aguirre, tres siglos antes que Simón Bolivar. 

Veremos cómo es arrojado al mar el cadáver de Juan Sebastián Elcano víctima del escorbuto y luego navegaremos con Andrés de Urdaneta tratando de buscar la ruta del tornaviaje, asistiremos a la fundación de las ciudades de Cebú y Manila junto al Adelantado, Miguel López de Legazpi.

 Veremos la solemnidad de la fundación de las ciudades de Santa Fe y Buenos Aires junto a Juan de Garay y combatiremos junto a Bruno Mauricio de Zabala contra los portugueses para recuperar la orilla izquierda del Río de la Plata y una vez conseguido fundaremos Montevideo. 

Asistiremos al continuo peregrinar de Yñigo de Loyola en busca de su fe perdida y en la formación del Ejercito de Dios, que tanta ayuda prestará a los indígenas del Nuevo Mundo. 

Navegaremos una y otra vez y hasta diecisiete veces desde La Habana a Sevilla en la nave Capitana de la Carrera de Indias al mando del almirante Tomás de Larráspuru, asistiremos a la conquista de México al lado de Juan de Oñate y avanzaremos al norte del Río Grande junto a su hijo Cristóbal y más tarde fundaremos el Reino de la Nueva Vizcaya junto a Francisco de Ibarra.  Ya de vuelta asistiremos a la audiencia que da el Papa Urbano VIII a Catalina de Erauso, la monja alférez.  

Nuestra gran vocación marinera nos hará embarcar sin ningún temor en el puerto de Pasajes a bordo de la nao San Juan y estaremos al lado de nuestros balleneros en la conquista de Terranova y a bordo de la chalupa de Gannis de Sale perseguiremos al terrible monstruo que emerge del fondo marino amenazante, pero es el sustento de nuestros hijos y no cejaremos hasta vencerle. Más tarde defenderemos Placentia de los ataques ingleses a bordo del “Envieux” la fragata de Joannes de Suigaraichipi, “el corsario de Bayona”.  De regreso iremos a bordo del galeón Santa Ana de la escuadra de Vizcaya al mando del almirante Juan Martínez de Recalde a la conquista de Inglaterra y regresando maltrechos a La Coruña viajaremos para defender Cartagena de Indias contra la mayor flota que se ha visto nunca, la inglesa del almirante Vernon, pero lucharemos junto a Blas de Lezo en el castillo de San Felipe y haremos desistir a los ingleses.  

De vuelta a Cádiz, asistiremos impávidos y llorosos a la muerte del Brigadier Cosme Damián Churruca en aguas de la Bahía de Cádiz, ya se lo ha adelantado por carta a su hermano “si llegas a saber que mi navío ha sido hecho prisionero di que yo he muerto”. La premonición se ha cumplido. Más tarde asistiremos a la cena en Waterloo entre el Duque de Wellington y el General Álava, en una cálida pero lluviosa noche del mes de julio de 1815. Es la víspera de la batalla definitiva.

El camino está llegando a su fin, ha sido un largo viaje y el imperio agoniza víctima de la falta de recursos para mantenerlo y de las nuevas ideas liberalizadoras recogidas por la Constitución de Cádiz de 1812. Sólo queda certificar su defunción y para ello se envía nuevamente a otro vasco Juan Ruiz de Apodaca, que será el último Virrey de la Nueva España, pronto vendrá el libertador de los pueblos indígenas Simón Bolívar, nacido en Caracas, pero que es la quinta generación de Simón Bolívar “el viejo” emigrante de los verdes y húmedos valles de Vizcaya. Jamás pensó que iba a ser un descendiente suyo quien construyera las nuevas naciones americanas. Asistiremos a la toma de posesión de George Washington, presidente de la primera nación americana, junto al embajador español, el bilbaíno Diego de Gardoqui y Arriquíbar.  

Y finalmente estaremos junto a Rafael Menchaca en la Batalla de Machichaco, asistiendo a bordo del bou Bizcaya al desigual combate contra el crucero Canarias.

Ha sido un largo viaje a través de un imperio, que comenzó ilusionante de la mano de una reina buena, Isabel de Castilla y que termina bajo el mandato de un rey incapaz, Fernando VII. Pero su final era imparable, las distancias son enormes, la pólvora ya escasea y las ideas difícilmente se combaten con las armas. Los días del  imperio español habían acabado y también el de los héroes vascos que ayudaron a construirlo. El divorcio  surgido en los últimos tiempos entre los vascos y la corona española  perdura hasta nuestros días.

INDICE DE CAPITULOS 

PROLOGO 

CAPITULO I : LA  CONQUISTA  DEL  NUEVO  MUNDO 
JUAN DE LA COSA    (EL VIZCAINO) 
IÑIGO DE ARTIETA    (EL CORSARIO DE LEKEITIO) 
PASCUAL DE ANDAGOYA   (FUNDADOR DE PANAMA) 
FRAY JUAN DE ZUMARRAGA (PRIMER OBISPO DE MEXICO) 
LOPE DE AGURRRE   (EN BUSCA DE EL DORADO) 
JUAN ORTIZ DE ZARATE (GOBERNADOR DE PARAGUAY Y RIO DE LA PLATA) 
JUAN DE GARAY       (FUNDADOR DE SANTA FE Y BUENOS AIRES) 
CRISTOBAL  DE OÑATE      (FUNDADOR DE ZACATECAS Y GUADALAJARA) 
FRANCISCO DE IBARRA     ( FUNDADOR DEL REINO DE NUEVA VIZCAYA) 
JUAN DE OÑATE       (CONQUISTADOR DE NUEVO MEXICO) 
CATALINA DE ERAUSO (LA MONJA ALFEREZ) 
BRUNO MAURICIO DE ZABALA (FUNDADOR DE MONTEVIDEO)  
BRUNO DE HECETA (MARINO Y CARTOGRAFO DEL PACIFICO NORTE) 
IGNACIO DE LOYOLA (EL CONQUISTADOR DE ALMAS) 
TOMAS DE LARRASPURU (EL ALMIRANTE DE LA CARRERA DE INDIAS) 

CAPITULO II :  LA  CONQUISTA  DE  LAS TIERRAS  DE  ORIENTE 
JUAN SEBASTIAN DE ELCANO    (EL CIRCUNNAVEGANTE) 
ANDRES DE URDANETA   (EL NAVEGANTE AGUSTINO) 
MIGUEL LOPEZ DE LEGAZPI   (EL ADELANTADO DE LAS FILIPINAS) 


CAPITULO III :   LA  CONQUISTA   DE  TERRANOVA   
LA LLEGADA DE LOS PRIMEROS VASCOS
JOANNES DE SUIGARAICHIPI  (EL CORSARIO DE BAYONA)
EL FINAL DE LAS PESQUERIAS

CAPITULO IV :    LA  CONQUISTA  DE  INGLATERRA      
MARTIN DE BERTENDONA (ALMIRANTE DE LA ESCUADRA DE LEVANTE) 
JUAN MARTINEZ RECALDE (ALMIRANTE DE LA ESCUADRA DE BIZKAIA) 
MIGUEL DE OQUENDO (ALMIRANTE DE LA ESCUADRA DE GIPUZKOA) 

CAPITULO V : LOS  HEROES  VASCOS  EN  LAS  BATALLAS  NAVALES  
BLAS DE LEZO (EL HEROE DE CARTAGENA DE INDIAS) 
COSME DAMIAN CHURRUCA (EL HEROE DE TRAFALGAR)   
MIGUEL DE ALAVA Y ESQUIVEL ( EL HEROE DE TRES BATALLAS) 

CAPITULO VI : EL  FIN DE UN IMPERIO,  EL FUERO VASCO Y LA GUERRA 
JUAN JOSE RUIZ DE APODACA Y ELIZA (EL ULTIMO VIRREY DE MEXICO) 
SIMON BOLIVAR   (EL LIBERTADOR)   
DIEGO DE GARDOQUI Y ARRIQUIBAR (PRIMER EMBAJADOR EN EE.UU.)    
 RAFAEL MENCHACA UGALDE (LA BATALLA DE MACHICHACO)
DESDE EL ARBOL MALATO A SABINO ARANA GOIRI 

REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS